El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) acaba de cumplir 92 años de existencia. Desde su creación y hasta nuestros días, su objetivo es difundir todas las expresiones artísticas, ya se trate de técnicas tradicionales o vanguardistas.
Y porque el MoMA siempre estuvo abierto a difundir el arte que otros recintos rechazaban, pudo incluir en su colección obras de Van Gogh, Piet Mondrian, Picasso, Dalí, Pollock, Chagall, Kandinsky y Warhol.
En los próximos meses se presentarán tres extraordinarias exposiciones que nos permiten entender la visión artística de este extraordinario recinto del Midtown de Manhattan.
Sophie Taeuber-Arp: Living Abstraction
Hasta 12 de marzo de 2022.
Ésta es la primera gran exposición estadounidense en cuarenta años que examina el innovador y amplio trabajo de la artista suiza.
La exposición explora el enfoque interdisciplinario de la abstracción en unas trescientas obras, diseminadas en más de cincuenta colecciones públicas y privadas en Europa y EE. UU. Las obras incluyen textiles, abalorios, marionetas policromadas, diseños arquitectónicos e interiores, vidrieras, obras sobre papel, pinturas y esculturas en relieve. Antes de su presentación en el MoMA, la exposición se mostró en el Kunstmuseum Basel, en Suiza, país natal de Taeuber-Arp, y en la Tate Modern de Londres, en la primera retrospectiva de la artista en Reino Unido.
Sophie Taeuber-Arp: Living Abstraction está organizada cronológicamente, comenzando con obras producidas poco después el traslado de la artista a Zúrich en 1914, y terminando con las creadas durante la Segunda Guerra Mundial, en los meses previos a su prematura muerte en 1943. Las obras de diferentes disciplinas se ubicaron con proximidad entre sí para explorar la polinización cruzada distintiva de la artista.
Entre otros trabajos importantes, la exposición incluye los estudios textiles abstractos de colores vivos de Taeuber-Arp; objetos de arte decorativo, como bolsos y collares de abalorios, alfombras, manteles bordados y fundas de almohada, y recipientes de madera torneada; las marionetas policromadas que diseñó en 1918 para la obra de títeres King Stag, y un grupo notable de esculturas pequeñas y estilizadas asociadas con Dada.
La exposición también presenta obras relacionadas con los distintos proyectos de interiorismo que Taeuber-Arp desarrolló a finales de la década de 1920 en Estrasburgo, en particular, el programa decorativo para el complejo de entretenimiento Aubette; muebles y dibujos de trabajo para los encargos de diseño de interiores y mobiliario que recibió después de mudarse a París en 1929; pinturas abstractas y relieves de madera pintada que emplean un vocabulario geométrico reducido, realizados en la década de 1930, cuando Taeuber-Arp participó en grupos de artistas de vanguardia como Cercle et Carré (Círculo y cuadrado) y Abstraction-Création, y dibujos de líneas controladas con precisión pero aparentemente libres realizados durante la Segunda Guerra Mundial, mientras Taeuber-Arp vivía en el exilio en el sur de Francia.
Neelon Crawford, Filmmaker
Hasta el 24 de junio de 2022.
Esta exposición y ciclo de cine presenta al artista multimedia Neelon Crawford (estadounidense, nacido en 1946) al público contemporáneo. Crawford fue miembro de la escena cinematográfica independiente de Nueva York, San Francisco y Ohio desde finales de la década de 1960 hasta principios de la de 1980. Crawford describió su trabajo de este periodo como “experimentos en la geometría de la abstracción hechos posibles por la cámara de cine”, y realizó películas de 16 milímetros que reflejaban sus intereses en la luz, el movimiento y el paisaje, así como en la danza y los primeros gráficos por computadora. Instaladas en las galerías Titus como una meditación oportuna sobre la crisis climática y la sostenibilidad, se exhiben nueve películas recientemente restauradas: KMK Cane (1976), La selva (1974), Laredo Sugar Mill (1976), Lago Agrio Gas Burn (1977), Hojas de plátano (1977), Luces de placa de acero del lado del barco (1974), Placeres ligeros (1970), Pasando (1974) y Senderos de fuego II (1976).
Adam Pendleton: Who Is Queen?
Hasta el 2 de febrero de 2022.
Adam Pendleton es un artista conceptual estadounidense conocido por su práctica multidisciplinaria, que involucra pintura, serigrafía, collage, video, performance y word art. Precisamente podemos observar esta última disciplina en la instalación que se exhibe en la sala The Donald and Catherine Marron Family Atrium del MoMA.
Las pinturas, los dibujos y otras obras de la autoría de Adam Pendleton utilizan material histórico en formas y configuraciones inverosímiles para explorar la relación entre la carencia, la abstracción y la vanguardia.
Who Is Queen? cuestiona la noción tradicional del museo como repositorio y aborda la influencia que los movimientos de masas, incluidos los de la última década, como Black Lives Matter y Occupy, tienen en la sociedad.
Desarrollada durante la última década, la obra que da vida a Who Is Queen? transforma el Marron Atrium en una instalación monumental de piso a techo, que consta de tres torres de andamio verticales negras, cada una de las cuales abarca cinco pisos. Esta construcción, visible desde todos los puntos del Museo que dan al Atrio, se extiende hacia el exterior del Museo y reencuadra la experiencia del espacio. Los sistemas de andamios modulares se construyen a partir de cuatro unidades básicas que dan soporte a las obras: pinturas, dibujos, una obra textil, esculturas, imágenes en movimiento y una pieza sonora.
“La muestra está sustentada por una especie de optimismo afro, equilibrado por un perdurable afro-pesimismo” dijo Pendleton. Es optimista en un sentido profundamente americano de la palabra, y pesimista en esa misma línea. Es decir, no es ni blanco ni negro, y ubica cada dentro del otro. Articula las formas en que simultáneamente poseemos y somos poseídos por ideales e ideas contradictorias.
Sigue al MoMA en IG: @themuseumofmodernart
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